Hasta que el pueblo las canta, las coplas, coplas no son   [show/hide text]

(en español más abajo)

Gabi Scardi

Marta Fernández Calvo's work is made up of the very substance of life: situations, circumstances, personal experience and a sincere yearning to share. The studied lightness of her gaze is a product of clear-cut ideas and the decision to fully express the present, with a keen awareness of the time, place and condition of the life now being lived, including its contradictions: difficulties cannot be shirked.

In the exhibition Hasta que el pueblo las canta, las coplas, coplas no son [Folk Songs Are Not Folks Songs Until the People Sing Them], Fernández Calvo has read the gallery space, inside and out, and infused it with her own feelings and her own everyday reality—a reality in which her work as an artist intersects with her ordinary needs, thus becoming a metaphor for a broader contemporary condition.
On opening day the interior of the gallery will be a field of action, and a burst of energy will flood every corner.

The works on display will be accompanied by two performances staged on the gallery’s balconies overlooking the courtyard. This spatial expansion beyond the boundaries of the walls seems to underscore the need to always remember that art and life are intertwined, an idea that constitutes the very core of the artist's philosophy.

The first performance is an expression of the desire to celebrate life and the exhibition itself.
The artist's ties to the land of her birth are evident in this piece, which consists of a jota performed by Paqui Terroba, a singer whom the artist has invited to travel to Madrid from the region that both women call home, La Rioja. Fernández Calvo takes great proprietary pride in the jota as part of her cultural heritage; for her, this regional folk music is bound up with her own personal history, with "those years when an individual learns to live and celebrate". Sung on the outward-facing balcony, the jota is a powerful statement that entails an elevated vantage point, a position and a stance, a sense of balanced harmony with the setting: a stability born of individual life.

In the second performance, a "bow" will be handed to a cellist who will then use it to improvise a composition on the spot. The "bow" is actually a strip of wood taken from one of the balcony window frames and rubbed against the outer walls of the gallery to wear it down. The gap left in the frame can be covered and the strip will return to its place, but only after it has been transformed into something precious and proved its hitherto unimaginable potential to create musical sounds.
These two performances will draw our attention outwards, and fresh air will rush into the gallery through the open windows.

When the performances are done, vestiges of them will remain in the locations where they took place: the musician's chair in the centre of the room, facing the window, will become a strategic place to sit and observe; and a mat will mark the spot where the singer belted out her jota.

At the end of the show visitors will find a white paper tablecloth with a pattern that the artist printed along the edges using the reduction method and on which she has invited a chef to work her culinary magic. She inserts this minimal operation in a world of poetry, a world not unconsciously formed but deliberately sought: a symbol of all unproductive acts, which may be useless but are nevertheless necessary, like art itself. But the work also narrates our contemporary economic and historical dimension, in which so much energy is squandered: a tale of wasted potential. And that dimension is elevated to the status of artwork thanks to its verticality and active association with the idea of the frame.

An audio piece plays constantly in the background: it is the voice of the man for whom Marta has baked cakes to make ends meet ever since she moved to Madrid. The soundtrack contaminates the entire exhibition, altering what should be a contemplative atmosphere, just as that pragmatic yet indispensable baking job contaminates her life as an artist. Loud, clear, brutal and unavoidable even in the remotest corners of the gallery, that voice brings us face to face with reality and its contradictions, with the artist's daily life, stripped of special effects. It reminds us that art—and the artist—exists in a world of economic and social relations.

In this exhibition, Fernández Calvo has boldly chosen to forego simulation and fiction, reject special effects and stage nothing but raw, naked reality. However, that reality does not prevent her from emphasising moments of poetry, for they too exist. "I bake cakes because I like working in pyjamas", she writes on the gallery wall. Comfort, homebody mentality, the idea of working with whatever is at hand: these are the sources of the sense of earthy warmth and magic that inspires the art of Marta FC. In these precarious times, when what counts is not the uncertain future but the present, as announced in the title, the here and now has become an existential condition. Now is when the performance emerges, encompassing the temporal dimension of life; and now is when works appear that are tenuous and fleeting but not spontaneous, for they are the product of reflection, sedimentation and the mastery of a personal artistic vocabulary and grammar.

Thence come elements like music and cooking, activities related to childhood memories and original settings: vehicles of relationships, shared experiences, instances of everyday life.
Thence comes the levity, poetry and irony with which Marta Fernández Calvo, in articulating this exhibition—a self-portrait, but also the portrait of a generation—voices her plea for a liveable world where lightness, fullness and consciousness can coexist.

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Gabi Scardi

El trabajo de Marta Fernández Calvo está hecho a partir de la propia sustancia de la vida: situaciones, circunstancias, vivencias personales y un sincero deseo de compartir. Su mirada es sutil, pero de una sutileza refinada resultado de la claridad de ideas que nace de la decisión de estar en el presente con intensidad, consciente del tiempo, del lugar, de las condiciones en las que vive; con todas sus contradicciones: no se puede eludir el conflicto.

Con motivo de la exposición Hasta que el pueblo las canta, las coplas, coplas no son, Fernández Calvo parte de una lectura del espacio de la galería, interior y exterior, y le inserta su propio sentir y cotidianeidad: una cotidianeidad en la que su práctica artística intersecciona con la vida práctica, convirtiéndose en metáfora de una condición contemporánea más amplia.

El día de la inauguración todo el espacio se convertirá en un campo de acción inundándose de un torbellino de energía. A las obras expuestas se suman dos acciones que se desarrollarán en los balcones de la galería que dan al patio del inmueble; una espacialidad que se expande más allá de los límites de las paredes, como para evidenciar la necesidad de tener siempre presente el encuentro entre el arte y la vida, lo que constituye el núcleo de su pensamiento.

La primera acción nace del deseo de celebrar la vida y la propia exposición. Es ahí donde aparece el vínculo de la artista con su lugar de origen; de hecho, la performance consiste en una jota para la que la artista ha invitado a una jotera, Paqui Terroba, que viene a Madrid desde su lugar común de origen, La Rioja. La jota representa un patrimonio cultural que Fernández Calvo siente muy cercano por circunstancias biográficas: ''esos años en los que se aprende a vivir y a celebrar''. Cantada desde un balcón de la galería, la jota representa una fuerte enunciación y marca un punto de vista ligeramente elevado, una posición y una postura, un equilibrio respecto al entorno: una estabilidad fruto de una experiencia individual.

La segunda acción consiste en la entrega de un ''arco'' a un violonchelista, que lo utilizará para componer una pieza musical improvisada in situ. El ''arco'' es, en realidad, un trozo de madera extraído de la carpintería de uno de los balcones de la galería con el que el chelista rozará las paredes de los edificios aledaños hasta desgastarlo… El hueco resultante podrá ser tapado, el trozo de madera podrá volver a su sitio, pero sólo después de haber sido transformado en algo valioso, adquiriendo potencialidades inesperadas, como crear sonidos.

Con ambas performances la atención se dirigirá hacia el exterior entrando aire fresco por las ventanas abiertas de la galería.
Al finalizar las acciones, quedarán algunas trazas de lo sucedido: la silla del músico en el centro del espacio expositivo, que, vuelta hacia la ventana, se convierte en un punto estratégico desde el que sentarse a mirar; y una pequeña alfombra que indicará el lugar donde la jotera se ha asomado a cantar.

La exposición la cierra un mantel blanco de papel en cuyos bordes la artista ha realizado un grabado a plancha perdida a modo de dobladillo, sobre el que ha invitado a una cocinera a realizar una intervención durante dos horas. Un gesto mínimo que invita a una reflexión poética, símbolo de todas las acciones improductivas, inútiles tal vez, pero no por ello menos necesarias, como el arte mismo. Sin embargo, la obra también habla de la dimensión histórica económica actual, donde se desgastan tantas energías, tantas potencialidades…
El mantel es elevado a la condición de obra mediante la verticalidad y la activación con la idea de marco.

El espacio lo domina una pieza sonora: es la voz de la persona para la que Marta, desde que llegó a Madrid, hace tartas para sustentarse económicamente. Una obra que contamina toda la exposición, alterando una atmósfera contemplativa, del mismo modo en que esa actividad, mecánica pero indispensable, contamina su práctica artística. Fuerte, clara, brutal, esta llamada de atención, ineludible desde cualquier punto del espacio, nos enfrenta con la realidad y sus contradicciones; con la vida cotidiana de la artista, desenmascarada de cualquier ornamento. Recordando que lo económico y lo social son intrínsecos al arte y a los artistas.

Con esta muestra Fernández Calvo logra superar una valiente apuesta, apartándose del simulacro y el artificio, rechazando cualquier efecto especial y poniendo en escena la realidad tal y como es. Esta realidad no impide a la artista enfatizar ciertos momentos de poesía, que de hecho existen. ‘’Hago tartas porque me gusta trabajar en pijama’’, escribe en la pared de la galería. Confort, domesticidad; la idea de trabajar con lo que se tiene a mano: el sentimiento de proximidad y de magia que emana del trabajo de Marta Fernández Calvo viene de aquí. En una época precaria en la que, más que el futuro, incierto, es el presente lo que está en juego, declarado ya en el título, aquí y ahora se convierten en condición existencial; es aquí donde aparece la performance, incorporando la dimensión temporal de la vida y la aparición de obras fugaces, efímeras, pero no repentinas, sino resultado de la reflexión, de la sedimentación y del control de una gramática y de un vocabulario artístico personal.

Elementos como la música y la cocina: actividades vinculadas a los recuerdos de la infancia y a los ambientes de origen; medios de relación, de convivencia, de instancias de lo cotidiano.
Son la levedad, la poesía, la ironía con la que Marta Fernández Calvo, al articular esta exposición, que es un autorretrato, pero también el retrato de una generación, invoca un mundo más habitable en el cual la levedad, la consistencia y el compromiso puedan convivir.

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Photo: Beatriz Alonso